Ellen Southern: “Ich kann micham besten durch die Worte anderer ausdrücken
Ellen Southern (Photo: Katie Murt )
Ich traf Ellen Southern online, als meine Band hackedepicciotto um ein gemeinsames Interview mit Dead Space Chamber Music gebeten wurde, um über das Musizieren mit gesammelten Umweltaufnahmen und Klängen zu sprechen. Ich kannte Ihre Band nicht und nach dem Zoom-Gespräch, welches ich sehr genossen hatte, habe ich mir ihre Musik auf Bandcamp angehört.
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Dead Space Chamber Music sind eine betörende Mischung aus Mittelalter-/Renaissance-Musik kombiniert mit experimentellen Tonaufnahmen und zeitgenössischen Einflüssen. Obwohl sie an sehr altem Material arbeiten, schaffen sie es, sich der Nostalgie zu entziehen, und ihre Konzerte haben eine magische und doch sehr moderne Klangkunstqualität. Wir waren zu dem Podcast eingeladen worden, weil wir beide gerne ungewöhnliche Instrumente verwenden und als unsere UK-Tour geplant wurde, dachte ich sofort, dass ein Abend zusammen mit DSCM perfekt wäre. Die Tour kam zustande und es war genauso begeisternd sie zu erleben wie erwartet. Ellens Gesang und ihre Verwendung von Klangobjekten innerhalb mittelalterlicher Melodien waren besonders fesselnd und auf den Reisen von Bristol nach London und dann nach Manchester sprachen wir oft über unsere Arbeitsweise und stellten fest, dass wir beide Fans der Sacred Harp-Musik sind. Ihre Gedanken zu all diesen Themen waren so interessant, dass ich sie zu einem Gespräch für das Kaput-Magazin einlud, um noch intensiver in diese Materie eintauchen zu können.
(Photo: Nadia)
Danielle de Picciotto: Wie würdest du beschreiben, wonach du in der Musik suchst, die du hörst und die du selbst komponierst?
Ellen Southern: Was ich in der Musik, die ich höre oder mache suche, ist schwer zu definieren, aber ich erkenne es, wenn ich es höre. Ich bezweifle, dass ich damit allein bin. Es ist kein Genre, es ist eher eine Atmosphäre oder bestimmte Atmosphären. Ob ätherisch und mysteriös oder viszeral und treibend, es gibt immer etwas Beunruhigendes, Zermürbendes, als würde man sozusagen hinter die Kulissen schauen. Etwas, das sowohl das Licht als auch das Dunkel, die Spannung und die Schönheit ansprechen kann.
Aber in breiten Pinselstrichen würden meine Evergreens zwischen dem dunklen Jazz von Lynch / Badalamenti, alter Musik im Allgemeinen (Mittelalter- / Renaissancemusik), unheimlicher Klassik wie Ligeti, Doom Metal ab Black Sabbath, Heavy / Experimental Rock, frühen Industrial / Electronic Rock und 80s Gothic / Synth zum Tanzen, gefunden werden können.
Es gibt auch so viele großartige aktuelle Künstler auf Bandcamp – einer großartigen Plattform zur Unterstützung von Künstlern – wie zum Beispiel Jo Quail. Sie ist mit Sicherheit jemand, mit dem wir (Dead Space Chamber Music) uns musikalisch verbunden fühlen, auch wenn wir anders klingen.
Du arbeitest viel mit Musik aus der Vergangenheit. Was interessiert Dich daran?
In Bezug auf Texte bin ich nicht dazu getrieben, meine eigenen zu schreiben, und nachdem ich jahrelang in Chören gesungen habe – geistliche und weltliche Musik aus allen verschiedenen Epochen – finde ich, dass ich mich am besten durch die Worte anderer ausdrücken kann. Worte, die den Test der Zeit bestanden haben und im Laufe der Jahrhunderte von vielen Mündern zu vielen Ohren gesprochen wurden. Gedanken und Gefühle schwingen im Laufe der Zeit mit, und es ist sehr wirkungsvoll, sich mit Material von vor Hunderten von Jahren zu beschäftigen, die sich trotzdem mit jemandem von heute verbinden kann, Worte, die emotional bewegen, oder Musik, die körperlich bewegt. Manchmal variiere ich Wörter oder erfinde sogar meine eigenen Klänge (Glossolalia), um auszudrücken, was ich für richtig halte, wenn es darum geht, wie wir ein bestimmtes Stück interpretieren und was es für mich bedeutet, es zu spielen. Ich habe das Gefühl, dass ich am großzügigsten sein kann, wenn ich über mein kurzes Leben hinaus etwas Größeres als mich berühren kann. Alles wurde schon einmal gefühlt und ich liebe es, mich daran zu erinnern, eine zeitlose menschliche Verbindung anzuzapfen und dadurch Bestätigung und Erleichterung zu empfinden. Es macht es einfacher, von den Kleinigkeiten meines Lebens wegzukommen, die nicht so interessant sind, und mich an den offenen, zeitlosen Ort zu bewegen, an dem ich sein sollte. Ich sehne mich nach dieser Verwandlung. Ich bin es, aber ich bin es nicht.
In Bezug auf die Alte Musik gibt es natürlich die anfängliche klangliche Anziehungskraft. Ich liebe den Klang modaler Musik, Drohnen, die Instrumentierung, die interessanten Rhythmen und seltsamen Stimmungen. Ich liebe die Vielfalt daran – es gibt Hunderte von Jahren Musik mit vielen Facetten und Einflüssen zu entdecken – genau wie heute, reisten Musik und Ideen und entwickelten sich in Beziehung zueinander.
Frühe Musik kommt oft als Fragment von Melodien und Texten vor, oft rekonstruiert. Für uns (Dead Space Chamber Music / DSCM) als Band gibt es also genug Informationen, um zu vielfältigen Arrangements inspiriert zu werden – Rhythmen, Harmonisierungen, Melodien und Bassparts, Verwendung von Loops, Samples oder Live-Sounds – aber nicht zu viel Information, um unsere eigene Vorstellungskraft und Kreativität einzuschränken. Es ist eher wie ein Jazz-Chart als eine klassische Partitur. Wir versuchen keine historischen Nachahmungen und wir qualifizieren uns nicht als Akademiker auf diesem Gebiet. Das ist ein großes Fachgebiet, das wir nicht beanspruchen. Wir lieben historische Aufführungen, historische Instrumente usw. Es gibt brillante Leute, die das bereits tun, wie bei Festivals für Alte Musik, zu denen wir gerne gehen. Aber wir wollen in dem Raum zwischen diesem und sagen wir experimentellem Heavy Rock oder Industrial existieren. Wir interpretieren dieses historische Material neu und behandeln es als zeitgenössische Musik, geben ihm Knochen und Blut und viszeralen Ausdruck. Was wir auch nicht tun, ist Cosplay oder so zu tun, als wären wir in einer anderen Zeitperiode. Wir kreieren unsere eigene Ritualsprache. Für mich besteht vieles in dem, was wir tun, darin, dieser historischen Musik eine neue Art von physischer Präsenz im Hier und Jetzt zu verleihen – verkörpert und nicht immer höflich, so dass sie bewegend, entnervend und scharf sein kann, vor allem da viele der Themen in unserer Musik von Themen wie Angst oder Verlust handeln.
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- Ellen Southern (Katie Murt Photography)
Bist du klassisch ausgebildet?
Nicht im herkömmlichen Sinne, nein. Meine Herangehensweise an das Singen bestand schon immer darin, eine solide Kerntechnik zu entwickeln – zu verstehen, wie man die Stimme als vollständiges Instrument einsetzt und kein Genre aufdrängt oder auf stilisierte Weise singt, sondern mir die Werkzeuge anzueignen, die ich dann erforschen kann. Ich habe mit Gesangslehrern zusammengearbeitet, um die Mechanik zu verstehen – die Atmung, welche Muskeln zu verwenden sind, die Verwendung von Resonanzkammern im Körper, dass „Wechseln“ zwischen den Registern: Brust, Kopf, Falsett usw. Aber ich kann sagen, dass ich hauptsächlich durch Singen in Chören, in einer Vielzahl von Genres, überspannend Alte Musik (Mittelalter / Renaissance / Tudor und Elisabethanisch etc.) Jazz, Klassik, walisische Sprache, Folk, Gospel, sowie Workshops in bulgarischem Gesang, zeitgenössische Klassik / erweitert Technik und Belcanto gelernt habe, sie zu verwenden.
Das Singen in Chören erlaubte mir, im Hintergrund zu verweilen, während ich mein Selbstvertrauen aufbaute und mein Ohr einstimmte, und ich wurde immer besser darin, unter anderen Sänger/innen eine Linie zu halten. Es war eine großartige Möglichkeit, die Musiklehre zu nutzen, die ich dabei lernte – Noten lesen und so weiter. Dann bin ich dazu übergegangen, vorne zu stehen und Solos zu singen. Ich habe einen Deal mit mir selbst gemacht, all das zu tun, bevor ich überhaupt ein Mikrofon in der Hand nehme, und ich bin froh, dass ich es getan habe. Als ich fertig war, war das meine Belohnung und ich fing an, mit Loops usw. zu spielen. Ich kann jedem das Singen in der Gruppe wärmstens empfehlen, sei es im Chor oder mit Freunden in enger Harmonie. Es bietet ein wunderbares Gefühl der Kameradschaft und die gesundheitlichen Vorteile sind gut dokumentiert.
Du beschäftigst dich mit Sacred-Harp-Musik. Könntest Du erklären, was das ist, wie Du es entdeckt hast und was Du an dieser Form des Singens interessant findest?
Vor ungefähr 10 Jahren hörte ich die BBC-Radiosendung von Cerys Matthews. Einige Sänger haben eine Live-Session gemacht und die Partitur auf Twitter veröffentlicht. Das war das erste Mal, dass ich Shape Notes sah – die Form der Musiknotation, die in Sacred Harp verwendet wird und auf dem bekannten Fa-So-La-System basiert. Ich war sofort von dem Klang gefangen und war entschlossen, eine solche Gruppe zu suchen und mit dem Singen dieser Musik zu beginnen.
Das Singen von Formnoten ist eine lebendige Tradition mit eigenen Konventionen, und das gefällt mir. Ich bin keine Gelehrte auf diesem Gebiet, aber ich kann aus meiner Erfahrung, es einige Jahre lang zu singen, einige charakteristische Dinge darüber skizzieren.
Sacred Harp Singing ist das Singen der Formen in dem Melodienbuch namens Sacred Harp, das erstmals 1844 veröffentlicht wurde. Es gibt mehrere Bücher und Sänger wechseln sich darin ab die unterschiedlichen Versionen zu singen, aber wir verwenden das Hauptbuch. Es wird a cappella (ohne Begleitung) gesungen, und ich glaube, der Titel kommt von der Idee, dass das Singen mit den Stimmbändern wie das Spielen einer „heiligen Harfe“ ist, was eine schöne Idee ist.
Es ist rhythmisch, fast Shanty-artig, was durch „Akzentuieren“ erreicht wird, also das Betonen bestimmter Taktschläge, um einen pulsierenden Klang zu erzeugen, und ich entdecke oft dabei, wie ich beim Singen vor und zurück schwanke. Wir sitzen in 4 Stimmen aufgeteilt, Bass, Alt, Tenor und Sopran, in einem „hohlen Quadrat“, da es einen Raum in der Mitte geben muss, wo jede Person abwechselnd das Lied ihrer Wahl anführt. Wir alle schauen nach innen, weil es eine partizipative Form des Singens ist – es wird nicht nach außen getragen. Wir benutzen unsere Arme, um sichtbar die Zeit zu schlagen – die Wirkung von Hunderten von Sängern, die die Zeit schlagen, ist faszinierend. Es gibt nicht wirklich Dynamik und wird manchmal als „Shout Singing“ bezeichnet, da es eine ziemlich intensive, laute Art des Singens ist. Wenn man in der Mitte des Platzes steht, bekommt man eine Art Bombardement des Quadrophonie-Effekts – das erste Mal, als ich es mit etwa 140 Sängern erlebte, fühlte ich mich, als hätte ich eine außerkörperliche Erfahrung, von dem Klang angehoben zu werden, und wurde zitternd zurückgelassen, es gibt nichts Vergleichbares.
Die Harmonien sind sehr karg, wie „Powerchords“, also viele Oktaven, 4. und 5. (eine Gruppe in Bremen beschreibt es als „a capella heavy metal!“). Die Tonleitern sind im Allgemeinen pentatonisch, d.h. eine „universelle“ Tonleiter, wie sie auf der ganzen Welt zu finden ist, daher ist sie für viele Menschen instinktiv „erfühlbar“. Die Liedformen sind Hymnen und Fugu-Melodien – wo verschiedene Teile zu unterschiedlichen Zeiten kommen und gehen, ein dynamischer räumlicher Effekt, in dem sich die Melodie physisch um den Platz bewegt. Wir halten uns nicht an die Tonarten im Buch, wir verwenden „bequeme Tonarten“ in Bezug darauf, wo jede Melodie am besten zu den anderen Stimmen passt, und wir alle singen den Akkord vor jeder Melodie mit relativer Genauigkeit. Wir singen zuerst die Namen der Formen und dann die Worte, wobei wir nach der ersten Strophe auswählen, welche Strophe/n uns gefallen. Du musst keine Noten lesen können, um mit dem Singen anzufangen, wenn du regelmäßig singst, lernst du durch Osmose. Es gibt keinen Dirigenten, und man kann auch zwischen den Stimmen wechseln – aber ich bleibe beim Alt, weil ich dort am glücklichsten bin.
Die Worte sind natürlich heilig / religiös und haben eine sehr starke visuelle Bildsprache, die ich genieße. Das Ganze hat eine gewisse Formalität, die ich auch mag, es hilft mir, mich ganz zu konzentrieren und präsent zu sein. Ich habe es im Lockdown so sehr vermisst, dass wir (Dead Space Chamber Music) unsere Version eines Sacred Harp-Songs gemacht haben, eines der bekanntesten Songs, Idumea. Man kann es auf unserer Black City Sessions EP (auf Bandcamp) hören. Natürlich ist es eine andere Sache, wenn es eine Band mit Publikum spielt, mit nur einer Stimme und enormen dynamischen Variationen, aber ich genieße den Unterschied – wir lehnen uns in das Drama des Songs hinein, und ich liebe es dieses Stück live zu spielen.
Ellen Southern (Katie Murt Photography)
Du hast auch erwähnt, dass dir das Sacred Harp Singen geholfen hat, deine Stimme zu trainieren – könntest du erwähnen, wie du deine schöne Stimme im Allgemeinen trainierst?
Ich sage nicht, dass dies für jeden geeignet ist, aber für mich, meine Stimme und das, was ich damit machen möchte, ist Sacred Harp Singen ein One-Stop-Shop für Gesangstechnik. Das wöchentliche Singen dieser Tradition gibt mir die nötige Unterstützung, um meine Stimme jederzeit einsatzbereit zu haben und überall und alles erreichen zu können, wo ich mit ihr hingehen muss. Außerdem kann ich im Laufe der Jahre, wenn ich dieselben Lieder singe, natürliche Veränderungen in meiner Stimme wahrnehmen, zum Beispiel eine mit dem Alter einhergehende Vertiefung des Tons, die meine Entscheidungen bei der Arbeit mit der Band beeinflusst.
Der Name deiner Band ist Dead Space Chamber Music – wie kamst du auf diesen Namen und wie würdest du die Musik beschreiben, die du komponierst?
Eine Totraumkammer (oder schalltoter Raum) ist eine Umgebung, normalerweise in einer Klangforschungsumgebung, die akustisch tot ist und keine Reflexion hat. Es wird an Orten wie Forschungseinrichtungen verwendet, und das sind buchstäblich tote Räume, die also keine Echos haben. Es wird gesagt, dass man, wenn man in einem steht, die internen Funktionen des Körpers wie den Puls oder den Herzschlag hören können, und das kann sich anscheinend als ziemlich nervtötend und störend anfühlen. Also ja, wir versuchen nicht, etwas Bestimmtes zu sagen, wenn wir uns darauf beziehen, aber es geht um diese beunruhigende Erfahrung, sich seiner Existenz oder Sterblichkeit bewusst zu werden.
Und dann ist Kammermusik eine intime Form der Musik, die in den Häusern der Menschen entwickelt wurde, um sie mit Freunden und musikalischen Kollegen zu teilen, und die eine konzentrierte Intensität, eine Liebe zum Detail und einen Geist des musikalischen Dialogs oder Austauschs zwischen Gleichen aufweist. Irgendetwas daran hat uns gereizt – selbst wenn wir einen großen Sound machen, hören wir uns immer gegenseitig zu, interagieren und versuchen, das Publikum oder den Zuhörer direkt in diesen kraftvollen und aktiven Raum zu ziehen, in dem der Sound vor ihnen entsteht, und manchmal um sie herum. Wir versuchen, dass es sich wie eine immersive, gemeinsame Erfahrung anfühlt, was dem Abend einen Hauch von Zeremonie verleihen kann. Unser Name vereint also diese beiden Themen.
Wenn ich darüber nachdenke, ist ein weiterer möglicher Effekt des Sacred Harp-Gesangs, dass es nicht so sehr eine unverwechselbare Melodielinie gibt, die über den anderen sitzt, und ich mag die Idee, dass ich als Sängerin, die mit Instrumentalisten arbeitet, nicht darüber sitzt, sondern, dass wir als Quartett funktionieren. Ich möchte, dass meine Stimme wie ein Instrument im Mix neben den anderen Instrumenten sitzt und bitte beim Soundcheck immer darum.
Komponierst du die Musik zusammen mit deinen Bandkollegen oder komponierst du die Musik und sie spielen deine Kompositionen?
Ich komponiere keine Musik für die Band (Tom Bush Gitarre, Liz Muir Cello, Katie Murt Schlagzeug / Percussion), wir arbeiten zusammen an Kompositionen, kombinieren also Improvisation und historisches „Rohmaterial“. Bei unseren abstrakteren Stücken entwickeln wir die charakteristischen Elemente des Stücks, was bedeutet, dass wir es heraufbeschwören können und wir wissen, wann es „im Raum“ ist, aber wie es sich jedes Mal etwas verändert. Freie Improvisation ist eine Spezialität unserer Cellistin Liz, und ich habe viel von ihr darüber gelernt, wie man damit umgeht. Und dann ist da noch das Element der Alten Musik – normalerweise in Form einer sehr einfachen Liedform oder einer Melodie, wobei eine Menge zwischen uns ausgearbeitet werden muss. Tom, der Gitarrist, ist besonders gut darin, diese Art von Material zu recherchieren und wunderbare Harmonisierungen zu schaffen. So kann aus dem avantgardistischeren Material ein Song werden und wieder zurück und umgekehrt. Dies ist besonders effektiv, da unsere Songarrangements mit der Zeit enger, dynamischer und druckvoller geworden sind, insbesondere durch die Hinzufügung von Katie am Schlagzeug, die eine sehr intuitive Spielerin ist. Wir streben danach, dass alle unsere Live-Sets abwechslungsreich sind und sich hoffentlich wie ein ganzes Stück anfühlen. Ich habe das Gefühl, dass das funktioniert, da die Leute unsere Sets oft als kürzer wahrnehmen, als sie sind, also müssen sie darin versunken sein!
Bei so einer Probenarbeit nehmen wir alles mit einem Zoomrecorder oder einem Kassettenrecorder auf, hören uns dann an und entscheiden, was wir behalten oder weiterentwickeln wollen. Wir alle bringen unsere Ideen ein, und ich bin immer wieder überrascht von dem Prozess. Deshalb liebe ich es, auf Augenhöhe mit anderen zu arbeiten.
Sacred Harp at St. Mary Redcliffe – as part of Bristol Festival of Song
Hast du Soloprojekte gemacht? Arbeiten Sie neben DSCM auch mit anderen Projekten zusammen?
Ich singe außerhalb der Band, und ich habe eine fortlaufende Veranstaltungsreihe. Mein Soloprojekt heißt Site Singing. Es ist etwas, das ich regelmäßig aufnehme und pausiere, mit gelegentlichen Live-Auftritten, aber ansonsten ist es eher wie „Feldarbeit“. Es geht darum, meine Stimme als Mittel zur Interaktion mit dem Ort zu nutzen und Feldaufnahmen zu machen, die die Grundlage für halb-improvisierte Arbeiten bilden. Ich begebe mich mit einem Zoom-Rekorder auf Exkursionen zu historischen Stätten, darunter alte neolithische Grabhügel, mittelalterliche Ruinen und verlassene viktorianische Steinbrücken, und verwende meine Stimme ohne Konzept darüber, welche Art von Klängen ich am Ende erzeugen werde. Es geht darum, in diesem Moment an diesem Ort zu sein. Ich mache auch visuelle Kunst um diese Erfahrungen herum. Diese Praxis und die Ansätze, die ich dabei entwickle, finden mit Sicherheit ihren Weg in das, was ich zur DSCM bringe, insbesondere wenn ich an Orten wie Kirchen und Krypten auftrete.
Im Laufe der Jahre habe ich mehrere Kollaborationen durchgeführt, darunter eine Tour und Veröffentlichung mit dem Noise/Drone-Künstler BURL aus Bristol, Auftritte als Teil des immersiven Performance-Kollektivs The SeeR (Dronica Festival, London, The Woodland Gathering, Cumbria, und Supersonic Festival, Birmingham) und als Solist für das gefeierte zeremonielle elektronische / AV-Werk Kistvaen von Roly Porter und MFO (Mira Festival, Barcelona, und Les Garages Numériques Festival, Brüssel). Anschließend wurde ich von Roly Porter eingeladen, mich den Sängerkollegen Phil Owen und Mary-Anne Roberts (vom Duo Bragod) auf dem gleichnamigen Album anzuschließen, das 2020 von Subtext Recordings veröffentlicht wurde.
Ich habe kürzlich auf zwei gemeinsamen Veröffentlichungen mitgewirkt. „Where The Green Translucency Beats“ ist ein Stück, an dem ich mit dem Komponisten Andrew Cooke gearbeitet habe, namens Lethesowe Bell, ein lockeres Konzeptalbum, das auf dem Mythos von Lyonesse (auch als Lethesowe bezeichnet) basiert, einem Königreich vor der Küste von Cornwall, das der Legende nach in einer einzigen Nacht im Meer verloren ging. Es hatte eine burgähnliche Kathedrale, und man sagt, dass das Läuten der Glocke noch immer unter den Wellen zu hören ist. Ich habe die Vocals für „Where the Green Translucency Beats“ in einem „Field-Recording“-Stil mit einem einzigen Take in einem resonanten unterirdischen Raum aus Beton aufgenommen, der damals teilweise überflutet war, und gegen Ende kann man etwas Wasser hören. Ich habe die Worte des Gedichts „Sunk Lyonesse“ von Walter De La Mare (1922) als Improvisation gesungen, wobei ich die Tonalität eines bekannten kornischen Trauerliedes (Padstow’s Farewell / Farewell Shanty) verwendet habe, in das sich das gesungene Gedicht verwandelt. Die andere neue Veröffentlichung ist All That We See or Seem, ein Projekt, das im Lockdown zwischen mir und Johanna Puuperä (Geige, modularer Synthesizer, zusätzlicher Gesang) in Finnland und Gruth (Konzept, Produktion, Elektronik) in Brasilien entstanden ist. Die LP besteht aus zwei Langformstücken, jeweils etwa 20-30 Minuten lang: „Myrskymienellä“, adaptiert von einem Gedicht des finnischen Nationaldichters Eino Leino aus dem Jahr 1891, und „A Dream Within a Dream“, inspiriert von Edgar Allan Poes Gedicht von 1849. Die beiden Stücke sind ziemlich unterschiedlich, das eine wächst von Texturen und Flüstern zu einem sehr treibenden Crescendo, das andere ist ziemlich hypnotisch und traumartig. Es wurde auf Miasmah Recordings (Berlin) veröffentlicht und erhält derzeit einige großartige Bewertungen, über die wir uns sehr freuen.
Und dann ist Dark Alchemy eine Veranstaltungsreihe, die ich zusammen mit Tom von DSCM und unserem Freund Tommy Creep, einem modularen Synth-Künstler, kuratiere. Es ist eine Möglichkeit für uns, neue Künstler nach Bristol zu bringen, und für uns als Band, neue Ideen oder laufende Arbeiten zu testen, zum Beispiel Film-Soundtracks, ein akustisches Set, eine Suite, die von Twin Peaks inspiriert ist, und zuletzt ein Set von festlichen Liedern. Neben Live-Events hat Dark Alchemy die Form von Kollaborationen, Veröffentlichungen und Livestreams angenommen und war für uns eine wichtige Möglichkeit, während der Pandemie aktiv zu bleiben, andere zu erreichen und mit ihnen in Verbindung zu bleiben.
Aber DSCM ist mein Hauptaugenmerk. Zusätzlich zu den Auftritten mache ich die visuelle Kunst für die Band, während Katie das Design und Layout macht (sie ist auch unsere Bandfotografin). Wir arbeiten gemeinsam an unseren Videos und Streams, wobei sie beim Bearbeiten wunderbare Arbeit leistet. Katie, Liz und ich arbeiten zusammen an Merchandise, mit dem wir gerne etwas experimentierfreudig sind, sei es ein Reliquiar für die Kassette unseres neuesten Albums The Black Hours, Liköre wie Ypocras und Clarey nach mittelalterlichen Rezepten hergestellt oder Dinge wie Fotozines oder handgefertigte Aromen, die bestimmte Veröffentlichungen begleiten. Daher ist die Band für mich wie ein „Gesamtkunstwerk“, was zu meiner interdisziplinären Herangehensweise an Kreativität passt.
Deine Musik hat ein viele Sound Elemente (zerbrochenes Porzellan zum Beispiel). Ist Dir diese Ebene wichtig? Kannst du ein paar Inspirationen in diesem Bereich nennen? Projekte oder Bands, die mit Sound arbeiten, die du schätzt?
Ellen Southern: AMALGAMS, an interdisciplinary immersive performance at the John Wesley Chapel, Bristol, 2015
Wir alle experimentieren gerne mit „erweiterten Techniken“ auf unseren eigenen Instrumenten, und dies ist eine Art erweitertes Element meiner eigenen Performance, bei der sowohl der Klang als auch die Aktion ausdrucksstark sind. Die Wahl ist immer symbolisch für die Bedeutung des Songs, das ist die Regel, die ich bei der Auswahl der zu verwendenden Objekte auferlege. Es ist eine kreative Einschränkung, die mich zum Nachdenken bringt, was mir gefällt. Ich nehme an, das verleiht ihm mehr Ernsthaftigkeit als die Verspieltheit oder den Humor, die die Verwendung gefundener Klänge haben kann, aber so mag ich es – es hat eher einen Sinn für Rituale. Ich singe in verschiedenen Sprachen (Walisisch, Alt-Englisch, mittelalterliches Französisch, Latein usw.) und deshalb mag ich es, dass diese physischen Prozesse eine Art Hinweis auf die Bedeutung des Liedes sind – ich mag Schichten und Geheimnisse in der Aufführung, und auch wann Ich arbeite am Bandartwork. Ich mag versteckte Bedeutungen, die Menschen auf einer intuitiveren Ebene wahrnehmen können. Mir gefällt, dass wir wissen, was die Absicht ist, und das ist der Handlung innewohnend, aber auch, dass die Leute, die zuschauen oder zuhören, dies auf eine Weise erfahren und erfahren, die ihnen etwas bedeutet. Ich erweitere ständig meine Klangobjekte und ich liebe es, wie es mir eine Möglichkeit gibt, mich mit dem Moment zu verbinden, präsent zu sein und mit dem Publikum in Kontakt zu treten, während mein Fokus zu ihrem Fokus wird. Es ist auch eine Erweiterung der Percussion-Idee, und ich habe angefangen, Katie einzubinden, und wir haben begonnen, einige gefundene Sounds zu koordinieren, die ich wirklich mag – also gehen wir z.B. beide in unserem letzten Set direkt vors Publikum und lassen Nägel auf Metalltabletts fallen. Und diese Wahl hat bei jedem Song einen genauen Grund. Man muss uns live sehen, um es zu verstehen!
Ich muss sagen, dass eine große Inspiration die frühe Industrial-Musik, vor allem die der Einstürzenden Neubauten, ist. Sie zu hören und besonders sie live zu erleben. Ich bin auch fasziniert von Foley Art (Sound Effect Creators). Ich habe mir einige Dokumentationen, DVD-Extras und Filme wie Berberian Sound Studio (sehr gruselig!) angesehen. Wir haben einige Live-Film-Soundtracks gemacht und ich durfte dieser Faszination neben dem Singen und Loopen / Verwenden von Samples frönen. Der Geräuschemacher ist normalerweise nicht jemand, den man sieht oder an den man denkt, aber für mich hat es etwas Intimes, zu zeigen, wie ein gewöhnlicher Gegenstand zu etwas Magischem und Transportablem werden kann. Das ist es, was Performance im Allgemeinen bewirken kann – sie kann uns aus unserem täglichen Leben an einen Ort bringen, an dem etwas Unerklärliches passieren kann.
Woran arbeitest du gerade und was sind deine Pläne für die Zukunft?
Nach einer sehr kreativen Zeit während der Pandemie, in der wir viele Veröffentlichungen, Kollaborationen und Livestreams hatten und ein paar sehr strukturierten Jahren nach der Pandemie mit der Veröffentlichung unseres zweiten Studioalbums The Black Hours und einer dreitägigen UK-Tour mit hackedepicciotto haben wir jetzt tatsächlich ein noch offenes Feld vor uns. Wir haben einige Ideen für ein drittes Album und mehrere EPs im Kopf, Material, das wir auf der Straße getestet haben, also müssen wir einen Weg finden, die Dinge gut und so kostengünstig wie möglich aufzunehmen. Wir wollen auch weiterhin mit anderen Künstlern zusammenarbeiten, an neuer Musik und an Live-Events wie Dark Alchemy. Wir haben erstaunliche Reaktionen sowohl auf unser Album als auch auf unsere Live-Auftritte erhalten, also suchen wir jetzt einen Weg, um nachhaltig zu produzieren und zu spielen, was eine Herausforderung sein kann.
