Freitag, 13.12.2019
Danielle De Picciotto & Friends in conversation – Raphaele Shirley

Raphaele Shirley: In Träumen sind animalische Götter oder Konzepte der ewigen Wiederkehr möglich”

Raphaele Shirley (Photo: David Heald)

Raphaele Shirley ist eine französisch-amerikanische Multimediakünstlerin, deren Arbeit Installationskunst, Lichtskulptur, Video, Kunstkollektive und soziale Intervention umfasst. Sie beschäftigt sich mit Fragen des Raumes, der Zeit, der ursprünglichen Lebenskräfte und der Vergänglichkeit.

Ich traf Raphaele um 2010 in New York City durch Algis Kizys einen der Bassisten von The Swans. Wir trafen uns danach ziemlich oft mit befreundeten Musiker_innen zum Tee oder zu Drinks und ich entdeckte, dass sie eine beeindruckende Künstlerin ist, die wunderschöne Objekte und Installationen erschafft.
Nachdem sie mit Nam June Paik von 1997 bis 2002 zusammengearbeitet hatte, begann sie mit reinem Licht zu skulptieren. Ihre Installationen strahlen eine ungewöhnliche Ruhe und hypnotisierende Gelassenheit aus, die mich vom ersten Moment an überwältigt hat, und ich freue mich sehr, diese Gelegenheit zu haben, ihre außergewöhnlichen Kreationen zu präsentieren und mit Ihr über Ihr Licht zu sprechen.

Deine Arbeit beschäftigt sich viel mit Licht und Raum. Wenn ich deine Arbeiten anschaue, fühle ich mich, als ob ich das Universum betrachte. Es strahlt  von ihnen immer eine Art Ruhe aus, die beeindruckend ist. Was möchtest Du ausdrücken? Gibt es ein allgemeines Thema oder unterscheidet es sich von Objekt zu Objekt?
Normalerweise arbeite ich pro Jahrzehnt an einem einzigen Thema. Das letzte Jahrzehnt war eigentlich dem Dilemma gewidmet, wie das Universum dargestellt werden kann. Es begann, als ich in der New York Times auf eine Reproduktion des Gemäldes „Die Erschaffung der Welt und die Vertreibung aus dem Paradies“ von Giovanni di Paolo (1445) stieß. Ich war verblüfft über die Komposition des Gemäldes, insbesondere des Farbkreises, der das Universum aus ptolemäischer Sicht darstellt, wobei die Erde im Mittelpunkt der Welt steht. “ Die Welt “aus mittelalterlicher Sicht galt als statisch und nur Gott, der auf dem Bild so dargestellt wird, dass er die Welt in Bewegung setzt, konnte Veränderung und Bewegung erzeugen. Ich konzentrierte mich auf die Farbscheibe des Gemäldes und stellte mir das gleiche Farbrad wie eine sehr große, superschnelle Lichtscheibe vor, etwas wie eine Eisschnelllaufbahn aus Licht, in Form von strahlenden, sich sehr schnell drehenden Farben.

2010 starb mein Vater. Ein Großteil meiner Arbeit war zu dieser Zeit schwarzweiß und ich musste Licht und Farbe in die Leere des Todes blasen und meinem Kummer nachjagen. Also machte ich mich daran, die Vision zu erschaffen, die ich gehabt hatte als ich dieses Bild entdeckte. Meine erste Interpretation war “Light Shot on a Bender” (2010), bei der ich das Giovanni-Farbrad in kreisförmig angeordneten LED-Streifen auf einer 2-Meter-Holzoberfläche nachgebildet habe. Dies wurde in einer sehr langen, unbepfasterten Gasse (mit Blick auf die Stadt hinter dem Kunstwerk) für das Festival „Bring to Light“ in New York gezeigt. Ich hüllte die Scheibe in Wassernebel, um die Dynamik der “Hand Gottes” zu erzeugen. Zu meinem Erstaunen gelang es dem (im Verhältnis zur Straße) relativ kleinen Objekt, die Gasse über die Länge eines Blocks zu beherrschen, es zog wie ein Leuchtfeuer die Menschenmassen an, und das im strömenden Regen!

/e-mediac\ (Photo credit: Michael Lisnet)

Ich bin dann zu einem anderen Stück namens “Black Star” (2014) übergegangen, in dem die “Welt-Kugel“ zu einer einzigen äußeren kreisförmigen Lichtlinie von vier Metern Durchmesser und einem inneren flachen schwarzen Kreis, der direkt auf die Wand gemalt ist, vereinfacht wurde. Der Diskus – bedingt durch die Dynamik der inneren Beziehungen von Hell und Dunkel – begann so Themen der Gesamtheit anzusprechen, die in der buddhistischen Philosophie zu finden sind, es wurden kosmologische Phänomene wie Finsternisse und Schwarze Löcher thematisiert. Erstaunlicherweise erschien das flache Objekt sehr dreidimensional. Ich setzte die Reise der Neuinterpretation der Giovanni-Scheibe in mehreren, weiteren reliefartigen, an der Wand hängenden, leichten Objekten fort und recherchierte parallel zu anderen Formen der Darstellung des Universums, wie sie in einigen von Steven Hawkins Büchern und wissenschaftlichen Illustrationen aus dem Internet zu finden sind. Ich suchte außerdem verschiedene Darstellungen von Glaubenssystemen aus der ganzen Welt.

Es ist eine lebenslange Suche nach einer befriedigenden Art und Weise, das Universum darzustellen, und ich bin natürlich nicht an das Konzept der Erde im Zentrum gebunden! Aber ich es war erstaunlich zu entdecken, wie die Abstraktion dieser einfachen Darstellung mich zu vielen anderen Glaubenssystemen im Osten und Westen und dann direkt zur harten Wissenschaft / Kosmologie brachte. Aber nach dieser letzten Dekade bin ich endlich bereit für ein neues Thema.

In der letzten Zeit habe ich mich auf eine kurzlebigere Arbeit aus Wolken (100 rosa Rauchfackeln) oder Installationen und Live-Performances konzentriert, die temporäre Lichtskulpturen mit begleitetem Live-Sound (“12.6 Lyrae, / e-media-c \”) schaffen.

12.6 Lyrae at The Chimney NYC photo credit: Jennifer Houdrouge

Deine Objekte haben ein spirituelles Gefühl. Interessierst Du dich für Spiritualität? Denkst Du, dass Kunst und Spiritualität eins sind?
Es gibt ein großartiges Zitat von Albert Einstein: “Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft.” Oder die großartige Aussage von Bruce Nauman „ In seinem Werk hilft der wahre Künstler der Welt, indem er mystische Wahrheiten enthüllt.“ Man kann die vDimension der Existenz besser durch Poesie und Erweiterungskunst finden, da diese die Formen das kartesische Denken transzendieren. Dichter wie Rumi oder Walt Whitman artikulieren die Komplexität von Zeit, Leben und Tod durch eine große Sparsamkeit der Worte. Kunst hat nicht nur die Möglichkeit, das Dasein besser zu beschreiben, sondern bietet auch die Freiheit, die Vielfalt und die unendlichen Möglichkeiten zu erforschen, die der Empirismus nicht kennt.

Ich hatte neulich ein Gespräch beim Abendessen mit der Künstlerin Steina Vasulka, als wir auf das Thema Tod stießen. Sie erwähnte einen isländischen Glauben, wonach “der Tod das ist, was man glaubt”. Wörtlich genommen deutet dies auf die Quantentheorie hin. Man kann sich fragen: Was wäre wenn? Was ist, wenn die Person, die an Reinkarnation glaubt, wiedergeboren wird? Was ist, wenn derjenige, der von Himmel und Hölle träumt, in den Himmel (oder in die Hölle) kommt? Derjenige, der glaubt, sich als Energieteilchen zu verbreiten, tut es usw. Umrahmt von der konzeptuellen Referenz, treibt das eigene Glaubenssystem eines jeden den Rahmen seiner Existenz an.

Ich verstehe diese Art des Denkens besser, indem ich meine Tochter, die jetzt drei Jahre alt ist, großziehe und durch unsere gemeinsame Zeit im Bereich des „So –tun-als ob“. Ihre Linse für die Welt ist hauptsächlich symbolisch, sie sieht Dinge durch Synthese und Abkürzungen, in Magie gehüllt und mit Tieren im Zentrum. Alles ist Metapher, Vorstellungen sind Teil der Realität. Sie und ich mischen und kombinieren Charaktere, erschaffen Wesen, die Hybriden sind, geben uns phantasievolle Titel und identifizieren uns als facettenreiche verwandelnde Kreaturen. Es macht Spaß! Die Variationen scheinen unendlich. Für einen Erwachsenen hilft diese Spielzeit, den Verstand zu öffnen, um einen breiteren Bezugsrahmen zu akzeptieren.

Die Traumwelt und das Unterbewusstsein scheinen mit der gleichen Logik wie der Verstand eines Kindes zu funktionieren, als ungezügelte Wahrnehmungsformen und kraftvolle Indikatoren für eine größere Sicht der Realität, die auf freie Assoziationen beruht. In Träumen sind animalische Götter oder Konzepte der ewigen Wiederkehr, der Reinkarnation oder der Unendlichkeit der Zeit möglich. Religionen haben dieselbe Quelle und denselben konzeptuellen Raum wie Träume. Sie sind metaphorische Portale der Weisheit, ihre Symbologie wird von der ursprünglichen Absicht befreit, wenn sie zu wörtlich genommen wird. Gegenwärtig hat der Utilitarismus und die postindustrielle Gesellschaft den Geist der Menschheit im Visier, annulliert das expansive Denken und führt uns in die Irre, weit weg von einer farbenfroheren, kreativeren und freieren Wahrnehmung der Dinge. Ich kann frühkindliche Einflüsse als Richtschnur für mein Denken für den Rest meines Lebens anerkennen. Mein Vater, Hunter B. Shirley, war ein Theoretiker in Psychologie und sprach ausführlich über das Unterbewusstsein. Meine Großmutter, seine Mutter, war eine fromme Baptistin aus dem Süden (vom guten und freundlichen Typ). Sie vermittelte mir das Gefühl von Ehrfurcht und dem Heiligen. Meine Mutter aus der französischen Familie Couelle, die größtenteils Architekten sind, und insbesondere Jacques Couelle, gab mir den Sinn für die Kraft der Kunst. In meinen frühen Teenagerjahren las ich viel Lao Tzu und Lie-Tseu, die auf sehr klare und greifbare Weise von „The Void“ sprechen, ähnlich den zeitgenössischen kosmologischen Beschreibungen von Schwarzen Löchern, Dunkler Materie und den Wegen des Universums im Allgemeinen. Diese Bücher lehrten mich eine Vorstellung von einer Gesamtansicht der Dinge, einschließlich der Vorstellung vom Nichts und der Entropie im Herzen der Existenz.

Im Moment sehe ich eine Korrelation zwischen fortgeschrittener Wissenschaft, Religionen aus der ganzen Welt, Unterbewusstsein, Träume und dem Geist des Kindes. Wenn es mir gelingt, diese verschiedenen Aspekte zusammenzufassen und dies irgendwie durch die Magie der Kunst auszudrücken, so dass dem Betrachter ein greifbarer Begriff, von Geheimnis und einer Einheit in der Vielfalt, vermittelt wird, habe ich das Gefühl, dass es mir gelungen ist.
Ich hoffe, meine Arbeiten können durch eine Ökonomie mehreren Wahrheiten ausdrücken und durch unterschiedliche Glaubenssysteme hindurchgehen, um verschiedene Bedeutungen zu vereinen. Wenn ich schließlich die große Kraft der Gegensätze, den Begriff der Ganzheit oder der Einheit darstellen kann, betrachte ich meine Stücke als Erfolg!

Raphaele Shirley and her daughter (Photo: Stephen Zachs)

Deine Objekte vergrößern immer den Raum um sie herum was ich faszinierend finde. Ist das etwas, das Du wissentlich erschaffst, oder ist es eine zufällige Nebenwirkung?
Ich wurde in meinen 20er, als ich mit einer Gruppe französischer Steinbildhauer zusammenarbeitete, darüber unterrichtet was sie das “erste Prinzip” der Skulptur nannten, das, wie sie sagten, von den alten Ägyptern und darüber hinaus herrührte. Das Prinzip war, die Mitte des Steins zu finden und dann immer in dynamischer Beziehung damit zu arbeiten, so dass die Oberfläche immer eine Form von Spannung aufweist, die von der Mitte nach außen in den Raum drängt.

AIch arbeite nicht mehr mit Stein, sondern mit Multimedia. Wenn ich ein Stück mache, betrachte ich den Raum und das Publikum als physischen Teil der Arbeit. Alle diese Elemente sind Teile des Kunstwerks, genauso wie Farbe, Ton oder Metall, und sie müssen mit der Mitte des Kunstwerks interagieren.
Ich bemühe mich, in meinen Stücken einen ähnlichen Resonanzzustand zu erzeugen wie in der Musik, in dem der umgebende Raum in Harmonie mit dem Objekt das ich herstelle schwingt und umgekehrt.

Wenn dies wirklich funktioniert, kann man ein etwas kleineres Objekt oder Gemälde herstellen, und dieses Werk springt durch seine Beziehung zum umgebenden Raum ins Unendliche. Das ist aufregend!

Ich halte ein Kunstwerk für erfolgreich, wenn es in nahezu jedem Raum mit den dafür geeigneten Grundeinstellungen (ausreichende Wandgröße, Mindestabstand usw.) funktionieren oder mitschwingen kann. Multimediale Kunstwerke bestehen oft aus Teilen, die zerlegt werden können. Die Arbeit kann, wenn sie zerlegt wird, verfallen und die Konnektivität zum Weltraum verlieren. Ich interessiere mich auch für diesen Moment der Schwäche. Was sind die Grenzen der Anpassungsfähigkeit eines Kunstwerks, wie viel Sorgfalt ist erforderlich, um es am Leben zu erhalten? Wann stirbt es?

Wo findest du die Ruhe und den Frieden die deine Objekte ausstrahlen in NYC ?
Ich vermisse die Natur in New York sehr, also wird meine Kunst der Kanal, über den ich eine Art von Frieden finden kann oder was man einen Meditationsraum nennen könnte. Oft ist meine Arbeit eine Reaktion auf die Geschäftigkeit und die Hektik der Stadt, als beruhigende Kraft, die mir dabei hilft, Ruhe in mir zu finden. Das ist eine Herausforderung, vorallem wenn es viel finanziellen Druck gibt. Ich hoffe auch, dass meine Stücke den Außenraum „auflösen“. Mit anderen Worten, manchmal können unsere Umgebungen sehr vielseitig sein und unterschiedliche Objekte oder inkohärente räumliche Konstruktionen aufweisen, die auf mehrere Bedeutungen oder Zwecke hinweisen. Manchmal gibt es in einem Raum zu viele Optionen oder Offenheit – ein erfolgreiches Kunstobjekt würde diese in einen klaren Fluss bringen, Gegensätze binden, unvereinbare Konzepte oder Richtungen auflösen. Es ist eine große Erwartung an eine Arbeit, aber ich habe die Ergebnisse in Aktion gesehen. In dem Versuch, eklektische externe Gegensätze aufzulösen, bin ich in der Lage, interne Konflikte in mir selbst zu lösen. Irgendwie muss die Arbeit Aufmerksamkeit erregen und stärker sein als das „Geräusch“, intern oder extern. Da es immer viele solcher „Geräusche“ gibt, drücken die Kunstwerke wirklich hart in die andere Richtung und erzeugen eine Stimme, die sich nicht mehr von der anderen unterdrücken lässt, wenn sie zB in einem Meer von Stimmen oder Kakophonie zu hören ist. Ich frage mich, welche Arbeit ich machen könnte, wenn ich an einem äußerst ruhigen und zusammenhängenden Ort wie einer Wüste oder einem Wald leben würde. Ich muss es mal ausprobieren!


Wie beeinflusst der aktuelle Stand der Dinge (politisch, ökologisch, sozial) deine Kunst / dein Leben?
Die orwellsche Natur der Nachrichten hat heutzutage ein völlig neues Niveau erreicht, dass Übelkeitsgefühle hervorruft und Blut zum Kochen bringt oder uns zum weinen. Wir können uns glücklich schätzen, dass wir eine “Business as usual” -Reaktion erhalten haben. Die Katastrophe unserer US-Präsidentschaft mit ihrer Tragödie an der mexikanischen Grenze, die US-Gefängnisse im Allgemeinen, der große Betrug, der unser US-medizinisches System darstellt, die unerbittliche Zerstörung der Länder des Nahen Ostens und, im weiteren Sinne, das Durcheinander der Menschheit, das zerbricht die Erde … all diese Dinge erzeugen große Angst. Hollywood ist teilweise für den Zustand der Dinge verantwortlich, da es von der dystopischen und manichäischen Darstellung der Welt besessen ist. Es hätte die Kraft, andere Wege zu zeigen und zu veranschaulichen als sie in vereinfachte Comic-Realitäten zu verwandeln, die irreführen. Positive Aspekte der heutigen Nachrichten werden zu Leitmotiven und Säulen des Optimismus, an denen man festhalten kann. Ob es die großen Politiker sind, die unsere groteske Präsidentschaft angehen, oder neue Erfindungen zur Nachhaltigkeit und Reinigung der Ozeane oder erstaunliche wissenschaftliche Entdeckungen. Dabei bleibt eine andere Dimension des Optimismus erhalten: die Bedeutung von Kunst und Künstlern als Hirten der Wahrhaftigkeit. Einige Freunde von mir, Louis Putzel und Tony Tate, die direkt für die Konfliktlösung in Burundi arbeiteten, erwähnten in Bezug auf den Krieg im benachbarten Ruanda zwischen den Tutsi und Hutus die Geschichte von Friedensereignissen, in denen das andauernde grausame Gemetzel kurz aufhören würde für ein Konzert wo dann alle zusammen kommen, um zu tanzen. Das sagt so viel aus, denke ich. Sobald wir unsere Verbindung zur Kunst aufgeben, lassen wir Erniedrigungen, Verwirrungen und unkontrollierte Gewalt zu. Die heutigen Nachrichten treiben mich weiter in die Richtung von Kunst als Quelle existenzieller Antworten.

Ich verbringe mehr Zeit in Museen, insbesondere im Metropolitan Museum of Art, in Abteilungen wie der Kunst Afrikas, Ozeaniens und Amerikas, da ich diese Kulturen weniger kenne als die klassische europäische Kunst. Ich interessiere mich derzeit mehr für ursprüngliche, naturbezogene Kunst. Dies ist kein Eskapismus, sondern ein Versuch in der Vergangenheit richtungsweisende Antworten für die Zukunft zu finden. All diese Schätze wurden in Zeiten politischer Unruhen geschaffen, manchmal unter der Herrschaft ungerechter Herrscher, Kriege, Folter, Krankheiten, Leiden. Die Kraft der Kunstgegenstände überlebte die Zeit, in der sie hergestellt wurden. Welche Botschaft vermitteln sie uns? Diesbezüglich habe ich auch einige meiner Kunstwerke aus ökologischen Gründen pausiert. Bei einigen meiner Arbeiten geht es um Wasser oder große Mengen an Elektrizität und um zufällige Formen des Ressourcenverbrauchs, die ich vermeiden möchte. 2012 war, wie ich es nenne, mein „monumentales“ Jahr, in dem ich hauptsächlich auf Papier gearbeitet habe und Kunst im Bau- / Parkmaßstab skizziert habe. Aber ich wollte, dass sie alle mit Regenwassersammlung, Solarenergie und erneuerbare Energien funktionieren. Ich habe seitdem mit verschiedenen Architekten und Ingenieuren zusammengearbeitet, um diese Konzepte voranzutreiben. Ich warte jetzt darauf, dass sich nachhaltige Technologien weiterentwickeln und alltäglicher und zugänglicher werden, damit sie sich leichter realisieren lassen.

Hast du Kunst studiert?
Früh wurden mir und meiner Schwester dank unserer Eltern Literatur, klassischer Musik, Theater, Bildhauerei, Malerei vorgestellt. Ab 1981, im Alter von 14 Jahren, lebte ich in Frankreich und verbrachte die meisten Zeit damit der Schwarzweißfotos zu entwickeln. Anschließend habe ich in Privatkursen Landschaftsmalerei und Figurenmalerei studiert. Während dieser Zeit freundete ich mich mit einer Gruppe von Steinbildhauern an, Schüler von Rene Coutelle, der selbst Schüler von Gustave Rodin war. Gemeinsam haben wir Skulptur und Kunstgeschichte studiert, angefangen von den alten Ägyptern bis zum frühen 20. Jahrhundert, durch Praxis, Bücher und viel Zeit in verschiedenen Museen Europas. Besonderes Augenmerk galt der mittelalterlichen Malerei, aber auch der französischen Literatur (Rimbaud, Baudelaire, Comte de Lautreamont usw.). Schließlich ging ich zu den Beaux Arts d’Aix-en-Provence, wurde aber 1993 nach New York berufen, um an Kunstprojekten zu arbeiten, die mir zu aufregend erschienen, um sie abzulehnen. Ich landete im Fluxus-Gebäude, 537 Broadway, im 4. Stock, zwei Stockwerke über der Emily Harvey Foundation. Dort arbeitete ich mit der Künstlerin Elaine Summers und dem in dem Gebäude lebenden Bildhauer Francis Whitney zusammen. Später wurde ich von 1997 bis 2002 Studioassistent bei Nam June Paik. Ich habe zu der Zeit gemalt, was eine ziemlich einsame Beschäftigung ist ist. Um als Künstlerin offen zu bleiben und Menschen kennenzulernen, habe ich mit den Regisseuren Karin Coonrod, Aaron Beall und Randolph Curtis Rand Sets, Kostüme, Requisiten und Videodesigns für ihre Shows entworfen.

Woran arbeitest du gerade?
 Mein Stück 100 Pink Smoke Flares wird am 20. September im Hafen von Talliin, Estland, zur Eröffnung eines neuen Zentrums für zeitgenössische Kunst, dem Kai Art Center, gezeigt. Es wird von einer Gruppe estnischer experimenteller Musiker vorgestellt geführt von Katariin Raska. Dieses ortspezifische Stück wurde 2015 mit Stephen Zachs und einem Projekt namens Chance Ecologies initiiert. Es wurde an verschiedenen Orten gezeigt, darunter im Queens Museum in New York und in Flint, Michigan, am ehemaligen Industriestandort der Chevy Factories. Nächstes Jahr, im Juni 2020, werde ich eine Ausstellung in einem wachsenden Kunstraum namens Sprinkler Factory in Worcester, Massachusetts, veranstalten. Der Raum ist weitläufig und roh, was für meine Arbeit immer wieder spannend ist, da er in dieser Umgebung fast besser zu gedeihen scheint als in traditionellen weißen Wandgalerien. Ich arbeite auch an einigen meiner kollaborativen und performativen Stücke wie 12.6 Lyrae / Le Chiffre mit Komposition von Algis Kizys unter Beteiligung der Musikerin Laura Ortman, Vinnie Signorelli, Lynn Wright und David Watson. Dieses Stück wurde erstmals im New Yorker Raum Chimney gezeigt. Mein Stück / e-media-c \ mit David Watson, Peter Zummo und Kevin Shea am Hunter’s College New York wird sicherlich bald wieder vorgestellt. Auch 3by3by3, eine interaktive Sound- und Lichtarbeit, die mit GH Hovagimyan und Rhys Chatham entwickelt wurde, wird hoffentlich im Jahr 2020 wieder ausgestellt. Vor kurzem hat mich der große Brunnen im Queens Museum in New York begeistert. Mit der Choreografin Rachel Cohen von Racoco Productions bereiten wir eine Licht- und Bewegungsperformance vor, die den gesamten Brunnen in Anspruch nimmt.

Photo: Michael Lisnet

Was sind deine Pläne für die Zukunft?

Raphaele: Ich lasse eine Idee oft ein paar Jahre ruhen, um sicherzustellen, dass sie sich lohnt. Ich habe im letzten Jahrzehnt viele Konzeptzeichnungen und nicht realisierte Ideen entwickelt, die mich auffordern, sie zu vervollständigen. Ich habe eine Sammlung aus modularen Kunstwerken, Skulpturen und Gemälden, an denen ich seit 2007 arbeite und die ich gerne zeigen möchte. Es sind Stücke, die in mehreren Arrangements präsentiert werden können und die ich als künstlerisches Statement in einer Ausstellung vorstellen möchte. Auch nachdem ich so viel Zeit mit der Malerei der Renaissance verbracht habe, sind mir Ihre Landschaften und Hintergründe als eigenständige Umgebungen in Erinnerung geblieben. Die himmlischen Räume, die von Masaccio, Mantegna, Piero della Francesca, Fra Angelico oder Giotto gemalt wurden, haben sich in meinen Augen in vergängliche abstrakte Skulpturen verwandelt. Das Stück Shooting Stair (2009), das für Fred Dorfmans Garten geschaffen wurde, stammt direkt aus dieser Vision. Ich muss noch ein paar weitere Dinge realisieren, Engel in Form von Licht, die in einem Hinterhof fallen, eine Himmelsscheibe, die über einem Esstisch schwebt … Ich bin daran interessiert, das Element der Magie in den Alltag zu bringen und damit Kunstwerke zu schaffen. Ich habe auch einige skulpturale Interventionen für Galerieräume vor, die ich wirklich gerne unternehmen würde. Sie sind ultradynamisch und beinhalten etwas punkige Aktionen, wie das Versprühen eines großen Wasserstrahls gegen eine Galeriewand, kombiniert mit einer Flut von strömendem Licht, oder das Rumpeln von Grundgeräuschen, die einen Raum mit Blitzen und Leere erschüttern. Scheint etwas unvernünftig, aber auf jeden Fall unterhaltsam für alle … Ich interessiere mich auch für mehr „analoge“ Kreationen, die weniger Kabel und weniger umfangreiche Elektro- und Gerätekonfigurationen erfordern. Mein Stück / e-media-c \ besteht aus zwei 2 Meter großen Parabolspiegeln auf Rädern, 5 leistungsstarken Taschenlampen und unverstärkter Musik. Es ist aufregend zu sehen, dass das Stück mit sparsamen Mitteln (und einem kleinen Koffer!) einen monumentalen Ausdruck erreicht. Schließlich hatte ich seit der Geburt meiner Tochter viel Zeit zum Nachdenken, was wahrscheinlich Raum für neue Kreativität gab, da ich in letzter Zeit sehr ausgefeilte Träume hatte. In diesen Träumen werden ganz neue Werke vorgestellt. Die imaginären Kunstwerke haben oft nichts mit dem zu tun, was bisher gemacht wurde. Das gibt mir eine Pause und eröffnet viele Möglichkeiten!

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