Lyndelle-Jayne Spruyt (L.J.Spruyt): “Silbernitrat gegen Einsen und Nullen”

Lyndelle-Jayne Spruyt (L.J.Spruyt) by Tenniell Gollings

Ich habe Lyndelle in Tasmanien kennengelernt, als ich dort mit meinem Projekt hackedepicciotto beim Dark Mofo Festival auftrat. Ich war mit ihr auf Facebook durch Ihrem Mann JP Shilo befreundet, den ich mit Mick Harvey auf Tour getroffen hatte. Sie schien außerordentlich interessant und ich war sehr neugierig darauf, sie im wirklichen Leben kennenzulernen. Es ist immer Heikel, eine Facebook-Freundin im echten Leben kennenzulernen, in diesem Fall war es aber ein wahres Vergnügen.

Ich habe schon immer Menschen bewundert, die jeden Aspekt ihres Lebens in Schönheit verwandeln. Es birgt eine tiefe Wertschätzung für Details, die in unserer industrialisierten, Welt der gefälschten Nachrichten und überquellenden Müllhallden, selten geworden ist. Lyndelle scheint aus einem ganz anderen Universum zu stammen. Sie wurde in Australien geboren und wuchs in Japan auf. Ihre Großmutter war Französin und so ist sie dreisprachig auf gewachsen, mit der eleganten Anmut, die diese verschiedenen Kulturen vorleben.

Wir konnten nicht viel Zeit miteinander verbringen, blieben aber in Kontakt und im Laufe der Jahre konnte ich die herrlichen Film- und Fotoarbeiten, die sie für verschiedene Bands und Projekte geschaffen hatte, miterleben. Ihre Begabung, Ihr Leben in ein faszinierendes Universum zu verwandeln, überträgt sich auch auf ihre Arbeit, die Tiefe und Schatten ebenso wie Schönheit hat. Ihre Werke sind farbenprächtig oder in schwarz/ weiß, aber auch Ihr Schwarz ist blauschwarz mit vielen Nuancen und erinnert an die Film Noir-Ära. Diese Fülle ist die Ernährung, nach der ich mich heutzutage oft sehne, vor allem nachdem ich mir schale Netflix streifen angesehen oder deprimiert eine Galerie verlassen habe, nach einer weitere austauschbaren I-Phone-Ausstellung. Qualität ist eine Tugend, von der ich jeden Tag mehr brauche, und Lyndelle-Jayne Spruyt ist eine wunderbare Oase in diesem Bereich die mich niemals verdursten lassen wird. Ich freue mich sehr, sie Ihnen heute hier vorstellen zu können.

Lyndelle-Jayne Spruyt (L.J.Spruyt)

Danielle de Picciotto: Bist du ein Autodidaktin oder hast du Photographie und Film studiert?
L.J.Spruyt: Ich bin ausgebildete multidisziplinäre bildende Künstlerin und das prägt meine Ästhetik, aber ich würde mich eher als autodidaktische Fotografin und insbesondere als Filmemacherin beschreiben. Obwohl mein Studium in den frühen 90ern Fotografie beinhaltete, konzentrierte ich mich auf die Malerei. Zu dieser Zeit war die Fotografie analog, was im Vergleich zum digitalen Format wirklich auf einem ganz anderen Ansatz bestand. Als Studentin nutzte ich die Dunkelkammer der Einrichtungen und entwickelte Geräte, um das Format zu manipulieren, hauptsächlich durch Experimente, und erfüllte nie wirklich die Anforderungen festgelegter „Aufgaben“ (sehr zum Leidwesen meiner Dozenten). In dieser Hinsicht würde ich mich als autodidaktische Fotografin bezeichnen – reales Lernen und künstlerische Praxis durch Selbstbestimmung / Lehren kam erst später im Leben. Während meines Studiums konzentrierte ich mich immer noch auf das Malen, hauptsächlich auf Öl (wenn ich es mir leisten konnte) und experimentelles Zeichnen / Collagen mit allen verfügbaren Materialien, aber auch auf Materialien, die ich von der Kunstschule gelernt hatte, wie das Arbeiten mit Schellack, Schuhcreme mit Kleber und das Schneiden mit Messern usw. Ich mochte die physische Unmittelbarkeit dieser Medien und die energetischen Ergebnisse. Diese physikalischen Ideale haben sich auch in den experimentellen Charakter meiner damaligen analogen Fotografie eingearbeitet.

Ãœber ein Jahrzehnt später, nach der Geburt meiner zweiten Tochter, stand die Fotografie im Vordergrund meiner künstlerischen Praxis. Das Jonglieren von Babys und Terpentin funktionierte nicht. Ich war nicht in der Lage, mir “Atelier” oder “Zeit” zu leisten, um die beiden Rollen in meinem Leben zu trennen, und bestand darauf, dass ich anders arbeiten musste. Meine Energien verlagerten sich (wie es oft bei einem kleinen Kind der Fall ist) und ich neigte weniger dazu, überhaupt zu zeichnen. Ich fing an zu fotografieren. Jedes Foto, das ich gemacht habe, wurde benannt und so behandelt als ob es ein Gemälde wäre dass noch gemalt werden muss.” 1..2..3 … ” Erst als mir klar wurde, dass die Fotografien selbst einen Wert hatten, konnte ich mein Denken und meinen Prozess in Richtung Fotografie verlagern und ihr die Zeit und Respekt entgegen bringen wie ich es in der Malerei getan hatte. Zu diesem Zeitpunkt wurde ich ein “Fotografin”.

Als Filmemacherin bin ich aber völlige Autodidaktin, da sich das digitale Format natürlich anbot sich dem bewegten Bild anzunähern.

Du arbeitest viel in Schwarz und Weiß – was magst du speziell an diesem Stil?

Ich denke, dass die Arbeit überwiegend in Schwarzweiß auch aus meiner Malpraxis stammt. Als Künstlerin war ich immer fasziniert von der Tiefe der Farbe, die man erzeugen konnte, was einfacher ist als die Verwendung von schwarzer und weiß. Als ich ein besseres Verständnis dafür hatte, dass es Farbe brauchte, um ein Schwarz aufzubauen, verkörperte Schwarz dann selbst alle Farbe die erforderlich waren, um Wärme oder Kälte auszustrahlen. Zwischen Schwarz und Weiß gibt es alles. Es gibt nicht nur schwarz, weiß oder grau.

Sebastiäo Selgado ist ein Beispiel für einen Fotografen, der mit seiner Schwarz-Weiß-Fotografie eine ikonische tonale Differenzierung erreicht hat und dessen Arbeit ich sehr bewundere. Henri Cartier Bresson ist ein weiterer Fotograf, dessen Schwarzweißfotografie bei mir große Resonanz findet wie auch Dorothea Lange. Alle drei Fotografen haben „Menschlichkeit“ und etwas von der „menschlichen Verfassung“ perfekt eingefangen. Die Schwarzweißfotografie bietet dem Auge an, sich mehr auf Kontraste und Tiefen zu konzentrieren. Etwas Seelenvolles und manchmal Zeitloses wird wiedergegeben – wie das Lesen eines Buches vor dem Betrachten eines Films.

Nick Cave by L.J.Spruyt

Es ist schwer zu beurteilen, ob ich Schwarzweißfotografie der Farbe vorziehe. Es ist oft das Thema, das bestimmt, ob ein Foto in Schwarzweiß oder Farbe ausgedrückt werden muss, aber was ich immer mit meiner Fotografie versucht habe war Licht aus der Finsternis zu ziehen. Ob es um eine Form geht, die sich aus ihrer schwarzen Umgebung herauslöst, schwarz/ weiß oder farbig ist; ich denke, ich arbeite im Allgemeinen aus dem gleichen Ansatz. Ich bezeichne es als den “Caravagesque”-Effekt (von Caravaggio). Ich versuche bei jedem Thema, egal wie hell oder dunkel, wie flach oder tief, verstörend oder inspirierend – Schönheit hinein oder herauszuziehen, selbst aus den Dingen, die Menschen am hässlichsten finden,es gibt darin immer Schönheit zu finden. Mir wurde oft gesagt, dass meine Arbeit sehr “dunkel” sei, ich bin mir nicht sicher, ob dies wahr ist aber wenn es so “wahrgenommen” wird, muss man es dem Betrachter überlassen zu entscheiden.

L.J.Spruyt

Hast Du bestimmte Themen, die dich hauptsächlich interessieren, oder variieren sie von Auftrag zu Auftrag?

Die Themen variieren in der Regel von Auftrag zu Auftrag, aber ich glaube, ich habe das Glück, dass der größte Teil meines Kundenstamms von bestimmten Elementen meiner Arbeit angezogen wird und sich eine Übereinstimmung Ihrer Arbeit mit der meinigen erhoffen.. Diese Art von Arbeit kann eine sehr positive symbiotische Erfahrung sein.

Jeder Auftrag ist anders, und die Arbeit, die produziert wird, hängt unweigerlich von den Budgetbeschränkungen und den Kundenanforderungen ab. Alles erfordert ein gewisses Vertrauen, um effektive Synergien zu schaffen. Mein zugrunde liegendes Interesse, ob in der Fotografie oder in der Kinematographie, ist der menschliche Zustand. Dies zu enthüllen oder wiederzugeben ist etwas, das kein bestimmtes Format erfordert, es ist überall, es umgibt uns in allem, ist in uns selbst und den Landschaften, in denen wir leben oder durch die wir reisen – sowie die Politik, der wir ausgesetzt sind. Sie definiert unsere Vergangenheit, beeinflusst unsere Zukunft und wie wir miteinander umgehen. Ein modernes Spiegelbild davon wäre Tony Gatlifs Arbeit.
Ich finde es schwierig, eine Präferenz für ein bestimmtes “Thema” oder Format vorzubestimmen, das bedeutet in eine Schublade gesteckt zu werden. Für mich sind die Ränder verschwommen und verschmelzen miteinander, ebenso wie die Themen, an denen ich interessiert bin.
Ich arbeite besonders gerne an Porträts. Porträtmalerei ist etwas, das sich für Traumlandschaften und Seelenlandschaften eignet.
Manch Leute haben es sehr leicht vor der Kamera, aber viele nicht – und man muss durch seinen Stil ein Vertrauen schaffen, dass sie sich wohl fühlen und öffnen.

“The Widow shoot” by L.J.Spruyt

Ich bin aber auch fasziniert vom Fotojournalismus als einem Genre, das „den menschlichen Zustand“ hervorruft, der aber auch unangenehm sein kann, wenn zum Beispiel ein Fotograf jemanden ausnutzt oder einen Umstand zum persönlichen Vorteil benützt. Es ist ein schwieriger, faszinierende Grad und ich möchte mich damit befassen
Für mich ist alles und jeder ein Foto. Drinnen oder draußen, lächelnd oder grinsend, Gesichter und Formen in jeder Falte, aus allen Stoffen, Schatten, Wolken oder Bäumen, lachen mich mit ihren Zungen an. Landschaftsfotografie / Kinematografie macht auch große Freude und hat etwas ewig fesselndes mit den sich ständig ändernden Farben, Formationen und Kontrasten der Natur. Ich bin immer auf der Suche nach Licht zwischen der silbernen und der goldenen Stunde und der Dunkelheit dahinter. Diese Lichtverschiebungen erzeugen unweigerlich starke Empfindungen, selbst wenn man nur ein Objekt fotografiert. Die Stimmung variiert, die Emotion oder die Empfindung dieses einen Objektes / dieser einen Landschaft dem Licht entsprechend. Ich möchte alles erfassen! Als Fotografin / Kamerafrau dauert es nicht lange, bis man das Haus nicht ohne Kamera verlassen kann oder sich irgendwie nackt fühlt, wenn Sie es vergisst.

“Noir storm lanscapes” by L.J.Spruyt

Was denkst du über digitale Fotografie im Vergleich zu der guten alten Filmrolle und der Entwicklung von Fotos selbst in der Dunkelkammer?

Ah, die Antwort liegt fast in der Frage – ja, die ‘guten alten Filmtage’. Es ist fast so, als wären sie völlig unterschiedliche Medien, der Prozess kommt zu einem ähnlichen Ergebnis, aber der Prozess des Analogen ist jetzt fast rituell, ich habe Ehrfurcht vor der Fotografie der alten Zeit. Das körperliche Gefühl des Drückens des Auslösers, die akustische Zufriedenheit, das Gefühl der Vollendung, das durch das Klicken ausgelöst wurde, und das Action-Geräusch, den Film vorwärts zu Ihrer nächsten Aufnahmemöglichkeit zu rollen, sind unbestreitbar befriedigend. Damals ging es um Zufall. Zufall und Geschicklichkeit. Die Chance, dass man diesen einen Moment festgehalten hat und dass man die erforderlichen Fähigkeiten hatte, mit der Kamera und ihren vergleichsweise begrenzten “Einstellungen” zum besten Ergebnis zu gelangen. Es erforderte eine andere Art von Präzision oder einfach nur „Glück“. Manchmal war dieses Glück eine Doppel- oder Dreifachbelichtung, die einem ein surreales Bild verlieh. Man konnten es sich auch nicht leisten, endlose Rollen von Film, Papier und Chemikalien zu kaufen, also mussten die Fotos, die man gemacht hat, gut sein! Der Entwicklungs- und Druckprozess erforderte einen viel physischeren / praktischeren Ansatz, bei dem verschiedene Manipulationen durchgeführt wurden – Kratzen, Zeichnen, (Säure-) Einbrennen in die Negative oder Drucke selbst, was zu einem haptischen Gefühl führte.
Der ‘editier’-Prozess und das Experimentieren fand in der Dunkelkammer statt. Wie lange man sein Belichtung einstellte, welche Kontraste / Dunkelheit / Tiefen man erreichen wollte, hing davon ab, wie man das Papier in den chemischen Bädern behandelt hatte.

“Noir landscape mists” by LJ SPRUYT

Ich glaube, meine Fotografie verwandelte sich zu dieser Zeit in eine 3d Arbeit indem Negative, Dias und Platten selbst verwendet wurden, um Geschichtete und gebaute Objekte zu erstellen, fast wie ein Trompe l’Å“il-Affekt in physischer Form oder als Collage. Die Umstellung auf digitale Fotografie war schwierig (ich bin nicht besonders technisch begabt), aber gleichzeitig außerordentlich lohnend. Die digitale Arbeit hat mich zu einem filmischeren Bereich geführt, als ich es mir ursprünglich vorgestellt hätte. Auch wenn ich mich durch die technologische Seite seiner Funktion und die Programme, mit denen ich arbeiten muss, verwirrt habe – die Möglichkeiten, die das digitale Format bietet, scheinen im Moment endlos zu sein. Die offensichtliche Veränderung ist dass man nun in der Lage ist, eine endlose Anzahl von Aufnahmen zu machen und die Versuche sofort in der Kamera durcharbeiten kann, obwohl man ziemlich schnell lernen musste, weniger Aufnahmen zu machen um die endlose Auswahlmöglichkeiten zu verringern.
Es sind wirklich zwei verschiedene Medien. Silbernitrat gegen Einsen und Nullen.

Ist ein Film eine Reihe von Fotos für dich oder betrachtest Du Fotografie und Filmemachen als zwei getrennte Einheiten?

Es ist faszinierend, einzelne Bilder eines Films zu betrachten, wie die Serie von Eadweard Muybridge, in der Momente in Bewegung dargestellt werden. Als Kamerafrau versuche ich, meiner Arbeit so viel Aufmerksamkeit zu schenken, dass jeder Frame ein Standbild sein sollte / könnte. Aber als Filmemacher konzentriere ich mich darauf, die gesamte Sammlung von Bildern mit einer Geschichte zu versehen. Als Standbildfotografin möchte ich einen ganzen Film im Betrachter auslösen. Die faszinierendsten Filme sind für mich manchmal fast statisch und zeigen die Stille der Zeit. Diese Spannung ohne Bewegung. Und einige der faszinierendsten Standbilder sind aufgenommene Bewegungen, gefrorene Unschärfe. Die Stille der Bewegung. Dann gibt es Filme wie La Jetee oder sogar Warhol-Experimente, die genau damit zu tun haben.

Was von einem für die Fotografie verlangt wird, insbesondere für die Kinematographie, hat mich gezwungen, meine Regiestimme zu finden. Ich bin eine von Natur aus schüchterne und leise Person. Als ich also meine Stimme erheben musste, um effektiv zu lenken, habe ich auch mein eigenes Selbstvertrauen gestärkt. Was sich am Set gut anfühlt,zeigt sich in der Arbeit beider Disziplinen. Manchmal hat ein Kunde eine klare Vorstellung davon, was er erreichen möchte, und manchmal möchten sie, dass man das gesamte Bild malt, und Sie verlassen sich darauf dass man es tut. Vertrauen und Zuversicht werden dabei zu Schlüsselelementen, um das Beste aus Ihrem Thema herauszuholen, genauso wie Vertrauen in meinen Regiestil.

Die Realität eine Regisseurin zu sein, hat ihre eigenen Hürden und mir definitiv viel über die menschliche Natur beigebracht. Wenn ich an meinen eigenen Projekten arbeite, fühlt sich der Akt, ein Foto aufzunehmen oder eine Szene zu filmen, sehr ähnlich an – und ich wünschte oft, ich könnte beides gleichzeitig tun. Wenn ich also eine Idee habe, mache ich genau das. Ich richte es so ein, dass ich gleichzeitig filmen und fotografieren kann.

PJ Harvey by L.J.Spruyt

Der Beruf als Filmemacherin / Fotografin steht hinter der Linse, dein Mann, den Du auf vielen Tourneen begleitest, steht vor der Linse. Inspirieren dich diese unterschiedlichen Positionen? Welche Künstler inspirieren dich?

Als Fotografin fühle ich mich vor dem Objektiv äußerst unwohl. Wenn ich Live-Musik fotografiere, ist es mein Ziel, immer die Schönheit und Stärken eines Interpreten zu zeigen. Ich sehe Schönheit in allen Dingen, egal wie unangenehm ein Gefühl von ‘Schönheit’ sein kann, mein Wunsch ist es, es zu offenbaren. Ich möchte den Signaturstils eines Künstlers durch meinen eigenen Stil erfassen. Das ist mir sehr wichtig. Das Foto eines Künstlers / Darstellers muss ihn/sie ergänzen, sonst ist es überflüssig. Es gibt so viele Sachen, die man berücksichtigen muss beim Fotografieren von Musikern, wie man sie in ihrem Element oder Bühnensituation am besten einfangen kann. Wie oben erwähnt, versuche ich immer, die Essenz des Künstlers so einzufangen, dass der Betrachter das Gefühl hat, sich im selben Raum zu befinden und die gespielte Musik „hören“ kann. Viele Elemente können zu diesem Ergebnis beitragen – der Ausdruck der Künstler, die Art und Weise, wie sie ihr Instrument und ihren Körper während der Aufführung halten (ihre Gesten, Gesichts- und Körperbewegungen) und die Beleuchtung auf der Bühne. Leider passieren oft die besten Möglichkeiten während den eher “stillen” Momente eines Stücks, wo man als rücksichtsvolle Fotografin die schmerzhafte Entscheidung treffen muss, in diesen Momenten nicht zu “klicken” und auf die Aufnahme zu verzichten.
Ich möchte nicht der Fotograf sein, der den Zauber / das Ambiente eines Künstlers durch das offensichtliche oder konstante Klicken einer Kamera zerstört. Manchmal verpasse ich also die vielleicht köstlichsten fotografischen Momente auf der Bühne. Natürlich ist Live-Action und Bewegung bei einem Crescendo aus Lärm und Ausdruck auch eine großartige Zeit zum Fotografieren – es variiert,wenn man sowohl in Bezug auf den Künstler als auch auf das Publikum etwas erreichen konnte, hat man es gut gemacht.

Die Künstler, die mich inspirieren, haben meine Arbeit unweigerlich geprägt. Es gibt die Großmeister, Maler wie Hieronymus Bosch, Caravaggio und Schiele, Filmregisseure wie Agnes Varda und Chantal Ackerman und Fotografen wie Joel Peter Witkin Fragen.
Es wäre eine zu große Aufgabe, sie alle zu aufzuzählen oder zu kategorisieren – es gibt so viel großartige inspirierend Künstler.

W Was denkst du über Selfies?

Es ist eine Frage, die eine vielschichtige Antwort erfordert, weil ich denke, dass die Verwendung des Wortes “Selfies” zu einem “Ãœberbegriff” geworden ist welches viele verschiedene künstlerische Prinzipien und Praktiken ab deckt, die moralisch / unmoralisch, simpel oder narzisstisch sein – je nachdem, wie man den Begriff definiert.

Die unmittelbare französische Ãœbersetzung eines “Selfies” lautet “Autoporträt”, und wenn ich semantisch (auf Englisch) denke, kann ich nicht anders, als ein “Selfie” als “Autoporträt” zu bezeichnen. Es ist eine Erinnerung daran, dass die Menschheit von Anfang an die Fähigkeit hatte, sich selbst auf einer Oberfläche darzustellen oder zu malen. Wir müssen zurück in die Zeit des Höhlenmenschen und der „Handabdrücke“ an einer Wand gehen. Das erste bekannte gemalte “Selbstporträt” (Porträt des Menschen in Turban, von Jan Van Eyck) stammt aus dem Jahr 1433, wobei viele große (und viele unbekannte) Maler (als einziges Medium) sich selbst als Modell hatten. Nach den bekannteren Werken von Van Gogh und natürlich der unnachahmlichen Frida Kahlo. haben sich Künstler im Laufe der Zeit als Beispiel benutzt, um entweder einen unmittelbaren Moment in der Zeit darzustellen, eine Geschichte über ihr Leben zu erzählen, eine politische Erklärung abzugeben – oder sie waren ganz einfach die einzige Person mit denen sie zusammenarbeiten konnten.

Die ersten Autoporträts der Welt stammen aus dem Daguerreotypie von Robert Cornelier in den 1830er Jahren. Seitdem die Menschheit die Fähigkeit hatte, sich selbst darzustellen, waren die automatischen Porträts / Selfies Teil der künstlerischen Praxis. Fotografen wie Cindy Sherman (eine Künstlerin, die sich selbst mit großer Wirkung einsetzt), Man Ray, Andy Warhol, Richard Avendon und Robert Maplethorpe sind alle Künstler, die sich selbst als “Protagonist” ihrer “Auto-Porträts” verwendet haben, oder wie wir sie jetzt “Selfies” nennen würden. Die kürzlich entdeckten Werke von Vivian Maier, die auch viele Selbstporträts machte, zeigen uns eine wunderbare Darstellung Ihrer Zeit denn ihre Selbstporträts reflektieren Schaufenster oder Eisenbahnwaggons.
Fotokabinen waren auch eine erste Form von Selfies – etwas, das man einem Freund geben, an einen geliebten Menschen senden konnte – etwas, um ein Ereignis, eine Zeit oder einen Ort mit „sich selbst“ auf dem Bild zu markieren. Ich benutze das Autoporträt oft, um einen Moment der Freude, sogar der Traurigkeit zu reflektieren, eine Zeit zu feiern, künstlerisch bin ich oft mein bestes Modell.

Leider wird das „Selfie“ heutzutage abfällig angesehen, und in den Händen einiger ist es auch nichts wert. Reine Selbstverherrlichung / Werbung / Objektivierung. Es gibt eine feine Linie wo es aufhört gut zu sein und ich mache mir darüber Sorgen, dass meine Töchter in diesen Zeiten sich dem Urteil der sozialen Medien und durch dem Strudel der Bilder navigieren müssen um das Gefühl haben, dass sie dazu gehören.

Woran arbeitest Du gerade?
Im Moment arbeite ich an einem Stück, das von The City of Melbourne in Auftrag gegeben wurde. Es hat verschiedene Aspekte, da es sich filmisch um zwei völlig unterschiedliche Ansätze handelt, bei denen ein 4,5-minütiger Clip aus einem 35-minütigen Stück als „Filmclip“ herausgenommen und dann ein Film für die Gesamtheit des Stücks erstellt wird = zwei völlig unterschiedliche visuelle Darstellungen.
Die Situation, in der wir uns international mit covid19 befinden, und der Hintergrund der BLM-Bewegung haben viele Fragezeichen gesetzt, wie die Bilder dieses Stücks dargestellt werden könnten, da das Stück selbst ein unheimliches vorausahnendes Gefühl hat und viele Korrelationen zu unserer Zeit; allerdings unbeabsichtigt. Wegen Covid ist es nicht möglich, einzeln oder mit einer Crew zu filmen, wie man es normalerweise tun würde. Um dies zu umgehen, musste ich meine anfänglichen Ideen für diese Arbeit ändern und einen anderen surrealeren Ansatz verfolgen, indem ich verschiedene Stock Footages aus meinem Katalog verwendete und mit einem Marinekameramann zusammenarbeitete. Das ist ziemlich spannend und wird hoffentlich gut klappen.

Was sind deine Pläne für die Zukunft?
Ich arbeite weiterhin filmisch, fotografisch und begrüße neue Aufträge und Kooperationen und setze meine eigenen persönlichen Projekte fort. Wenn man „irgendetwas“ gelernt hat in diesem Jahr 2020 dann ist es, dass es keine Gewissheit gibt und wir uns anpassen müssen darin wie wir arbeiten, leben und funktionieren. Ich freue mich darauf, mir etwas Zeit zu nehmen, um meine Fähigkeiten zu verfeinern und mich auf Projekte zu konzentrieren, die ich im Moment nicht beschreiben werde, aber letztendlich auf eine Einzelausstellung hinausläuft.

Alexander Hacke und Blixa Bargeld by y L.J.Spruyt