Danielle de Picciotto & Friends in Conversation w/ Katrina Beale

Katrina Beale: „Ich fange gerade an, das Gefühl einer Zukunft und eines Raums zu spüren, in den ich planen kann.“

Katrina Beale

Mich haben schon immer Künstler inspiriert, die sich mit mehr als nur die Fassade beschäftigen. Ich interessiere mich selten für das Sexsymbol, den betrunkenen Rock n Roller oder den narzisstischen Extrovertierten. Es ist alles zu sehr Klischee. Ich mag die ruhigen, nachdenklichen, die tief nachdenken und in Rätseln sprechen. Die Bücherwürmer, die Träumer, die Mystiker, die Gestaltwandler und spirituellen Sucher. Ich mag Texte, die wie Poesie klingen, aber dein Leben radikal verändern, oder ein Gemälde mit Schatten und Mysterien.

Seit die Pandemie dem Sommer nachgibt, scheint das Leben wieder grell und rücksichtslos geworden zu sein, der Wettlauf von Geld, Macht, Politik und Krieg ist wieder da und ich vermisse plötzlich die ruhigen, leeren Straßen Berlins im Jahr 2021. Wo ist all die Ruhe geblieben, in der wir innehalten und darüber nachdenken konnten, was um uns herum passiert? Aufgrund dieser Neigung fühle ich mich immer zu Künstlern hingezogen, die den grellen Glanz der Öffentlichkeit scheuen.

Ich habe die Künstlerin KatrinaBeale Ende der 80er Jahre kennengelernt und beobachtet, wie sie ihrer Kunst auf faszinierende, fast barocke Weise nachgeht. Sie schafft es, Zeit träumerisch zu verbringen, von der Nachmittagssonne und staubigen Bücherregalen umgeben. Ihr Studio hat eine konzentrierte Arbeitsatmosphäre, vermittelt aber ein Gefühl von Privatsphäre. Das Betreten wirkt fast respektlos und erinnert an Bacons Studio, das nur durch ein Fenster einsehbar ist. Obwohl sie zögert, über ihre Arbeit zu sprechen, arbeitet sie dennoch seit Jahren an ihrer Malerei und stellt sie gelassen international aus. Ihre Themen und Techniken sind zeitlos und strahlen Ruhe und Besonnenheit perfekt aus. Trotz dieser Zurückhaltung steht sie im Zentrum der Kunst- und Musikszene Melbournes, war Anita Lanes beste Freundin und hat gerade mit Mick Harvey, PJ Harveys Kollaborateur und ehemaliger Bad Seed, eine Galerie eröffnet. Katrinaist ein Juwel, und ich fühle mich geehrt, heute mit ihr zu sprechen.

Katrina Beale in her studio


Danielle de Picciotto: Was möchtest Du in deiner Kunst ausdrücken?

Katrina Beale: Ich strebe danach, bestimmte Dinge auszudrücken, die ich persönlich nicht in der alltäglichen Kommunikation ausdrücken kann. Dinge wie das Gefühl, sich in einem Raum, einer Umgebung oder einer Tageszeit zu befinden, wie diese Empfindungen mit Ihren Eindrücken und Erfahrungen die Welt beeinflussen. Manchmal auch, um zu versuchen, die emotionale Geschichte von Räumen auszudrücken.

Hast du ein allgemeines Kernthema oder variiert es von Bild zu Bild?

Ich warte auf ein Thema, das zu den Dingen passt, die ich in meinem Leben erlebe oder über die ich nachdenke, oder auf eine Frage, über die ich nachdenken kann, während ich das Werk aufbaue. Ich behalte das gleiche Thema für Ewigkeiten, bis ich zum Nächsten übergehe.

Was motiviert dich? Ist es eher ein inneres Gefühl oder ein äußerer Eindruck?

Motivation bedeutet, mich daran zu erinnern, dass ich es entweder tun oder aufhören kann – und vorzuziehen, es zu tun.
Meine Inspiration scheint von äußeren Eindrucken zu kommen, aus einer Kombination aus Neugier, Gedanken und Gefühlen hervorgerufen – sogar von Sorgen. Aus dem Fenster zuschauen, Gemälde und andere Bilder zu betrachten, oder Filme etc. Nicht selten kommt sie aus Romanen – Ideen, kleine Funken und Fragen tauchen auf. Die Lektüre von Rachel Kushners „The Flamethrowers“ und ihre Referenzen unterstützten mich dabei, Szenen aus dem Kino für Gemälde zu verwenden.

Arbeitest du hauptsächlich mit Acryl oder Öl? Mischst Du deine Farben selbst?

Ich arbeite in Öl – das habe ich schon lange, aber theoretisch bin ich offen für andere Malmedien. Aquarell ist wahrscheinlich dasjenige, welches ich wegen der Intensität der Pigmente am liebsten verwenden möchte, die Transparenz kann das Gefühl von Luft und Raum und Vergänglichkeit am besten wiedergeben. Allerdings bleibe ich unter anderem deshalb bei der Ölfarbe, weil ich mich in die Komposition des Gemäldes einfühlen kann, ohne dass sich die Unentschlossenheit zeigt, und dann bilden all diese Versuche eine gute Grundlage, wenn ich mich mit der Form beschäftige. Ich glaube nicht, dass andere Medien auf diese Weise so nachsichtig sind. Bildlich geht es mir darum, die Formen von Figur und Grund so zu vereinfachen, dass sie sich ineinander drücken und einander definieren. Der Umgang mit der Farbe selbst ist jedoch eine andere Sache und ich kämpfe damit – ich fühle mich die ganze Zeit wie ein Anfänger, als würde ich keine Technik von einem Studiotag zum nächsten behalten. Also, nein, ich mache meine eigenen Farben nicht.

Die Malerei ist eines der am längsten existierenden Medien der bildenden Kunst. Was interessiert Dich speziell an diesem Ansatz?
Interessierst Du dich für neuere Techniken oder konzentrierst Du dich lieber auf ein bestimmtes Genre?

Ich liebe es, mir Gemälde anzusehen und die Gründe für diese Anziehungskraft sind mysteriös. Ich habe in meinen 30ern ernsthaft mit dem Malen begonnen und bin damit noch nicht zufrieden – es bleibt also eine Herausforderung. Die Begrenzung der quadratischen Leinwand in der westlichen Kunst ist ebenfalls etwas, das veraltet erscheinen kann, aber es ist auch etwas, das eine Arena schafft, die man besucht. Es verbindet meine Arbeit mit anderen Kunstwerken, fast wie ein Signal, dass ich im Bereich anderer Gemälde und Maler gesehen werden möchte.


Was denkst du ist das Interessante an Porträts?
Hast du Selbstportraits gemacht?

Es ist fesselnd, sich zu fragen, ob man wirklich etwas über eine Person aussagt, wenn man sie ansieht, und welche Geschichte die Künstlerin selbst darum herum erschaffen wird – es geht auch viel um sie.
Ich liebe Velazquez’ Porträts von Calabacillas und Francisco Lezano, „Narren“ am spanischen Hof. Sie sind sehr sensibel, aber der Maler scheint das freier auszudrücken als bei den aristokratischen Sujets. Ich liebe einige von Alice Neels Porträts – sie wirken so locker, sind es aber nicht.
Ich selbst bin schüchtern, was Porträts angeht. aber bei den wenigen, die ich ausprobiert habe, habe ich wirklich ein neues Schönheitsbewusstsein erfahren, weil ich so genau hinsehen „dürfe“.
In meinen meist erzählerischen Gemälden neige ich dazu, Tiere, Vögel oder Schauspieler – sogar Bäume – als Repräsentanten der conditio humana zu verwenden. Meine Selbstporträts sind zum Üben gedacht – ein praktisches Modell. Ich denke, das ist eine häufige so – ich bemerke einen ähnlich gehetzten, glasigen Blick in den Augen vieler Selbstporträts. Der Versuch, unseren eigenen Körper objektiv zu betrachten, ist ein seltsames Unterfangen.

Du hast gerade eine neue Galerie in Melbourne eröffnet. Könntest du ein wenig darüber erzählen, mit wem Du dabei zusammenarbeitest und worum es in der Galerie geht?

Mein Mann, Mick Harvey, hatte die Idee, eine Art Veranstaltungsraum für Kunst zu betreiben. Es ist eine großzügige Idee – was typisch für Mick ist, denke ich, aber ich war etwas zurückhaltend, mich darauf einzulassen. Seltsamerweise ließ die Tatsache, dass Covid anfing, es wie den richtigen Zeitpunkt erscheinen – warum nicht, wir würden sowieso nirgendwo hingehen! Einen Block von unserem Haus entfernt war zu dem Zeitpunkt ein gutes Geschäftshaus zu mieten. Wir hatten beide keine Erfahrung damit eine Galerie zu führen und sind einfach unserer Nase gefolgt und haben es in den letzten zwei Jahren geschafft, zwischen den Lockdowns Kunst und Filme zu zeigen. Wir haben mit der Kuratorin Mariella Del Conte bei zwei Ausstellungen zusammengearbeitet und hoffen, mehr mit ihr zu machen. Ich habe viel von ihr gelernt und dann festgestellt, dass nach und nach Künstler auf uns zukamen. Unser Ausstellungsstil ist eher von ihrer Arbeit als von meiner Kuration inspiriert. Wir wollen, dass der Raum sehr wandelbar ist. Mick programmiert die Filme. Wir haben einige Berliner Filmemachern gezeigt; ein Uli M Shüppel Mini-Festival und Kurzfilme von Guzstav Hamos und Katya Praschke und ein Dokumentarfilm von Danielle de Picciotto. Es ist ein besonderes Gefühl, Menschen in Melbourne diese Werke vorzustellen.

 

Wie hat sich die Pandemie auf deine Arbeit ausgewirkt? Dein Leben? Deine Stadt? Dein Land?

Ich weiß nicht, woher der eigentliche Samen der Inspiration kommt, aber ich weiß, dass er während der Zeit des Pandemie-Lockdowns verschwunden ist. Es muss etwas mit dem Wunsch oder der Möglichkeit zu tun haben, der Welt etwas zu zeigen, auch nur einem kleinen Teil von ihr. Es war eine perfekte Gelegenheit zum Malen, wenn die Galerie geschlossen war und kein sozialer Kram stattfand, aber ich konnte die Trägheit nicht überwinden. Für mich waren diese Zeiten voller persönlicher Verluste und eines merkwürdigen Gefühls der Zukunftslosigkeit. Die Tatsache, dass Pläne keinen Sinn machten, war jedoch auch entspannend. Ich glaube, es gab viele gemeinsame Neurosen auf der Welt und auch gemeinsame Offenbarungen. Ich hoffe, dass Australien, nachdem es bewiesen hat, dass Dinge getan und in einer Krise mobilisiert werden können, aufhört, so zu tun, als ob es für Flüchtlinge und indigene Völker und für das Klima nicht getan werden müssen.

Woran arbeitest du gerade?

Immer noch an meine Szenen aus dem Kino. Sie haben ein übergreifendes Thema des Wanderns – meist Frauen durch Städte, also „Figur in Landschaft“. Es gibt eine Erzählung darüber, was in der Szene passiert, aber das ist nicht die einzige Lesart davon. Obwohl sie eine Hommage an das Kino und die Schauspieler sind, möchte ich, dass sie am Ende nur als Gemälde erlebt werden. Die Erzählung ist für mich eher ein Ausgangspunkt.

Was sind deine Zukunftspläne?

Ich fange gerade an, das Gefühl einer Zukunft und eines Raums zu spüren, in den ich planen kann. Ich bin an das Privileg gewöhnt, mich in der großen Welt zu bewegen, also ist es ein Plan, Australien für eine Weile zu verlassen. Ich kann nur kurzfristig denken: ein Werk zu erschaffen, das nächstes Jahr ausgestellt werden kann, und die Galerie weiter zu einem Ort zu entwickeln, an dem sich Menschen treffen, inspirieren lassen und mehr Kunst schaffen können.

Hörst du Musik, wenn du malst? Wenn ja, was hörst du?

Es widerstrebt mir, einen alten Ghettoblaster in meinem Studio loszulassen, der jetzt keine Kassetten oder CDs mehr abspielt, also höre ich oft Radio National – das ziemlich viele philosophische Interviews ausstrahlt – oder FM-Musik aus Melbourne sendet. Ich bin etwas frustriert darüber, dass ich Musik-Apps noch nicht beherrsche und meine Vorurteile darüber nicht ablegen kann. Momentan höre ich gerne Musik aus Micks Studio von unten zu mir hochschweben.

Katrina Beale, „Hiroshima“

Verlagssitz
Kaput - Magazin für Insolvenz & Pop | Aquinostrasse 1 | Zweites Hinterhaus, 50670 Köln | Germany
Team
Herausgeber & Chefredaktion:
Thomas Venker & Linus Volkmann
Autoren, Fotografen, Kontakt
Advertising
Kaput - Magazin für Insolvenz & Pop
marketing@kaput-mag.com
Impressum – Legal Disclosure
Urheberrecht /
Inhaltliche Verantwortung / Rechtswirksamkeit
Kaput Supporter
Kaput – Magazin für Insolvenz & Pop dankt seinen Supporter_innen!

By continuing to use the site, you agree to the use of cookies and accept our data policy. More information

The cookie settings on this website are set to "allow cookies" to give you the best browsing experience possible. If you continue to use this website without changing your cookie settings or you click "Accept" below then you are consenting to this.

Close